NMiC: Queríamos preguntarte un poco sobre vos, cuál es tu formación y cuáles son tus actividades actuales…

RK: Bueno, mi nombre es Ronen Kadushin, soy diseñador de productos bajo el método de Open Design. Básicamente, la información para producir los trabajos es gratis, podés descargarlo desde el website. También enseño diseño desde 1993. La semana que viene empiezo a enseñar como profesor invitado en la Halle University, y va a ser la primera vez que dicte un curso de Open Design. Fuera de eso, estoy casado, sin hijos pero con un perro, Django.

Primero quisiera decir que están haciendo algo importante. Realmente me gusta toda la idea del proyecto. ¿Cuándo fue la primera vez que nos pusimos en contacto?

NMiC: Hace un año, o un año y medio…

RK: Sí, y fue lindo escuchar acerca del diseño libre desde el otro lado del océano.

NMiC: En verdad, tu colección de Open Design fue prácticamente lo único que encontramos en Internet acerca del Diseño Libre. No hay mucho sobre esto.

RK: No hay mucho, y creo que la principal causa es el sistema de educación de los diseñadores, que está basada en el punto de vista de la industria, que es muy paranoico con respecto a la propiedad intelectual. El año pasado estuve dando conferencias en distintos lugares de Europa, algunas orientadas a estudiantes, y realmente les abrió los ojos a una amplitud de posibilidades. Porque ellos ya están descargando un montón de cosas, y hacen “copy/ paste”. La cultura libre ya está en práctica. Pero cuando se trata de el diseño de productos, el sistema educativo forma a los estudiantes como para que entren de modo directo en el sistema de producción tradicional.

NMiC: ¿Todos tus diseños están bajo el concepto de Open Design?

RK: Todo lo que puedo, lo lanzo bajo el Open Design. Pero tengo por ejemplo un sillón que pueden encontrar en la web pero no en mi sitio. Se hace de un molde de inyección plástico, y no tiene sentido lanzarlo bajo el Open Design porque sólo el molde de inyección cuesta €80.000, entonces nadie estaría en la posición de hacer una réplica por sí mismo, y por otro lado la compañía que los produce quiere asegurar su inversión, por lo que la patentaron.

NMiC: Ya que lo mencionás, queríamos preguntar de qué modo se relaciona tu proceso de diseño con esta licencia copyleft de tus productos. Nos parece que tus diseños están pensados para que personas no expertas puedan reproducirlos fácilmente.

RK: Sí, tienen toda la razón. Doy presentaciones sobre mi trabajo y llamo a este modo de diseñar “nativo de Internet”. Significa que cuando empiezo un producto Open Design ya sé que la información tiene que ser 100% descargable y reproducible en máquinas CNC sin herramientas.

NMiC: ¿Podrías explicarnos qué es una máquina CNC?

RK: Bueno. CNC significa “computer numerically controlled” (controlada numéricamente por computadora), y significa corte de láser o routing computarizado. Es básicamente maquinaria computarizada que produce objetos sin ninguna otra herramienta, directo desde un archivo. Puede realizarse en cualquier material, las máquinas CNC pueden cortar cualquier cosa hoy en día, desde acero hasa papel.

NMiC: ¿Y tenés planeado experimentar con otro tipo de proceso de producción?

RK: ¿Quieren decir otro que no sea el Open Design?

NMiC: No, otro que las máquinas CNC.

RK: Bueno, solo puede ser en CNC, no puede ser de otro modo. También puede ser en ”prototipo rápido” que es también un procedimiento CNC pero en 3D. Bueno, soy un poco perezoso para hacer cosas en 3D, me siento más cómodo haciendo cosas en 2D, y por otra parte los materiales con los que trabajan estas máquinas no me resultan muy satisfactorios, son muy plásticos y al tacto no dan una buena impresión. Además estas máquinas hacen cosas pequeñas, y a mí me interesa el mobiliario. Entonces cuando pienso hacia dónde quiero ir, qué es lo que quiero hacer, cortar materiales reales como el aluminio o la madera tiene más sentido para mí. En verdad me divierte más hacer eso.

NMiC: Una de las cosas que nos interesa es que la posición de tus productos es bien diferente a la de los objetos que solemos subir a nuestro site. En general están hechos a mano o producidos en muy pequeñas series, con lo cual son reproducibles pero no en una gran escala, como los tuyos. Esto muestra que tu trabajo es en verdad diseño industrial intergrado a la industria de producción, que es algo que no hemos encontrado en otros lados. Y en relación a lo que decías sobre el sistema educacional, quería mencionar que nosotros no somos diseñadores, sino arquitectos, y que cada vez que tratamos de sumar a un diseñador industrial al proyecto, los encontramos reticentes, de algún modo, con una actitud paranoica. Sólo en los últimos tiempos pudimos encontrar diseñadores jóvenes que quieren sumarse, gente que está todavía estudiando. Pareciera que las generaciones más jóvenes pueden comprender mejor de qué se trata esto, lo entienden…

RK: ¡Tienen mucha razón! Les diré cómo me siento con respecto a esta situación. Tengo 45 años, y digamos que los diseñadores de más de 35 ya están en algo: han terminado sus estudios y trabajan en compañías o tienen sus propios estudios, o su producción, lo que sea, pero lo que no cambia es que están trabajando bajo modelos de negocios. Los estudiantes por su parte son mucho más abiertos a las nuevas ideas, en verdad están en la búsqueda de nuevas cosas, están en una etapa de aprendizaje. Y como crecieron con Internet, son mucho más receptivos a lo que viene de la web. Ellos empezaron cuando la Internet ya estaba muy desarrollada, entonces conceptos como el de copy/ paste o el remix les resultan mucho más naturales que a los diseñadores profesionales. Por eso tengo la esperanza de que las nuevas generaciones de diseñadores industriales estén más abiertas a considerar el Open Design. Tengo mucho feedback de los estudiantes acerca del Open Design, ya sea en mi website o cuando doy conferencias. Los estudiantes y los diseñadores más jóvenes se sorprenden con el concepto y dicen: “¡Ey, vamos a hacerlo de ese modo!” Lo captan en seguida.

NMiC: Tienen ese modo de hacer las cosas realmente incorporado.

RK: Sí. Y no es sólo eso. Hace dos semanas estuve en Londres y di charlas en tres universidades. Uno de los profesores se acercó después de la charla y me dijo: “Tenés mucha razón. La profesión ya no funciona para nosotros. No es como era antes”. Porque además de hablar del movimiento de cultura libre, toco el tema de que cuando uno piensa en el lugar del diseñador hoy en día en la cadeña de producción, realmente está en el punto más bajo. Cuando el diseñador produce algo, puede ser un gran diseño, pero tiene que acudir a un fabricante que invierta dinero en las herramientas, producción, marketing, etcétera, y eso es bastante difícil. El productor va a decir: “Hacelo de este modo, o no lo necesitamos hoy, o no lo necesitamos en absoluto”. El diseñador, con toda su creatividad, se enfrenta a la fábrica o al productor, de un modo inaceptable si uno mira Internet. Si sos músico, animador, fotógrafo, o la información que sea, sos libre de seguir tu camino. Si ningún editor te publica, vos lo publicás por vos mismo. Y cuando publicás información como animaciones o fotografías, gente de cualquier lado puede copiarlas, pegarlas, mezclarlas, y descargarlas ya sea legal o ilegalmente. Pero si están en eso vas a tener una comisión, un trabajo. Es un sistema de reputación. Pero el diseño industrial depende mucho del productor, entonces de pronto hay un problema financiero y todos tus proyectos se posponen un año o para siempre. Entonces cuando uno compara las opciones de realizar las creaciones, la Internet es mucho más fácil y el diseñador es mucho más independiente, y cuando aparece el fabricante, el diseñador puede mirarlos a los ojos sin tener que rogar para que se hagan sus proyectos. “Si querés hacer esto, genial, hagámoslo juntos. Si no querés, no hay ningún problema. Lo voy a hace con otro o lo voy a hacer por mi cuenta.” Y en Open Design, puedo hacerlo por mi cuenta no por una única vez, sino en escala: puedo hacer una pieza y publicarla en mi website, que todos la vean, la descarguen, o que se la incluya en libros. Puedo hacer de una a miles, desde casa y con sólo mandar un e-mail. Por lo que es bastante fácil ir en la dirección que yo quiera.

NMiC: Bueno, y eso nos da el pie a la siguiente pregunta que queríamos hacerte, que es…

RK: ¡Cómo me gano la vida!

NMiC: Exacto (risas). No íbamos a plantearlo en esos términos, pero es una buena pregunta, si no te molesta responderla.

RK: Bueno, hago presentaciones, hice muchas el año pasado, y la primera pregunta de la audiencia es “¿Cómo ganás dinero?”. La respuesta es interesante. Primero, respondo: “Hago plata con estos diseños. Y punto. Yo produzco y vendo”.  Entonces preguntan: si cualquiera puede copiarlo, ¿cómo podés ganar plata con eso? Ahí mi respuesta es en tres partes. Primero, nada es copiado a menos que ya esté generando ganancias, y como yo no soy tan grande, no estoy en el espectro de las compañías que hacen copias. Segundo: si yo vendo algo, le pongo el precio. No gano el 3% en royalties que se acostumbra en esta profesión. De ese modo, gano lo suficiente como para vivir. No me estoy haciendo rico, pero vivo bien y tranquilo. Tercero, si una compañía quiere fabricar uno de mis diseños, lo cual no pasó aún, pero espero que suceda pronto, es más sensato para la compañía pagar mis royalties o hacer un acuerdo financiero conmigo, que copiarlo, porque les interesa que mi nombre esté en el producto. En la cultura de consumo actual, si comprás un objeto de diseño, vas a darlo vuelta a ver quién lo diseñó, o vas a ver en Internet quién es esa persona. Y es un hecho que el nombre del diseñador en el producto implica que el precio de venta del producto sea entre un 15 y un 50% más caro. Entonces, la colaboración entre la compañía y el diseñador tiene sentido, en términos financieros, para ambos. Y si el producto tiene éxito, la compañía va a pedirle al diseñador un nuevo producto. En una visión de largo plazo, las compañías serias van a pagarle al diseñador por ese primer producto, porque si lo copian o si no le pagan, después podría hacerles perder otras oportunidades de negocios. Entonces esta colaboración es definitivamente beneficiosa para las dos partes. Además, es muy valioso para las compañías que quieren información sobre sus consumidores, porque si tenés un Open Design, hay mucha gente involucrada que tiene su propia opinión sobre cómo debería ser.

En definitiva, hago dinero de producir mis diseños, y tengo un distribuidor que comercializa mis objetos pequeños al rededor del mundo. No es una gran escala, pero está creciendo. Y también tengo buenas conecciones con galerías de diseño. Me representan en los objetos más grandes y en los de pequeñas series. Entonces tengo un amplio rango, entre los productos de consumo que sé que mucha gente va a querer, y también puedo volverme loco y hacer lo que sea en una situación de galería. A decir verdad, el sistema de estanterías fue vendido en una subasta en Londres, junto con objetos de Libeskin, Ron Arad y muchos otros, por más de 8 mil pounds. Eso es realmente una prueba del concepto, porque el coleccionista podría haber descargado el archivo de mi página y haber fabricado la misma pieza con un muy bajo costo. Lo que hizo que el objeto fuera tan atractivo fue la presencia de mi firma en el objeto.

NMiC: ¿Y tenés algun feedback de parte de la galería, del hecho de que los objetos que se exponen tiene licencia para ser reproducidos? Porque en general lo que se muestra en las galerías son objetos únicos o de pequeñas series, lo cual en apariencia no encaja con el concepto de Open Design.

RK: Obtengo buena respuesta en general, pero en particular de los coleccionistas de objetos de diseño, los clientes de la galería. Para mi sorpresa, entienden el concepto, les gusta… Si sos un coleccionista de diseño, estás buscando lo nuevo, lo que va a ser coleccionable, aún antes de que lo sea. Los coleccionistas que en los 60s compraban pop art, y ese tipo de cosas. Siempre hay un riesgo que están dispuestos a asumir, pero entienden que el concepto representa el “hoy”. Simplemente lo buscan, no les parece un problema que mucha gente, e incluso yo mismo, vea al sistema de Open Design como algo reproducible.

http://www.ronen-kadushin.com

Descargar: Aca!

Según un famoso artículo de Ronald Coase en 1937[1], las organizaciones existen debido a que ciertas operaciones económicas implican un grado de complejidad tal que no pueden ser llevadas a cabo en el mercado por los actores principales (comprador y vendedor), dado que ellos no poseen la infraestructura necesaria para manejar los costos transaccionales que éstas implican. De esta forma surgen las corporaciones que aportan expertise y masa crítica, haciendo más eficientes los intercambios. Cuando las operaciones son simples, comprador y vendedor se relacionan directamente. Cuando los costos de hacer negocio son demasiado altos para los individuos, es necesario que intervengan las corporaciones.

En el 2008, Clay Shirky publicó su libro “Here Comes Everybody: The Power of Organizing Without Organizations”. En él, dándole una vuelta de tuerca al concepto del premio Nobel británico, plantea el concepto de “Coase’s floor”: aquellas operaciones tan minúsculas o irrelevantes que ninguna corporación se preocuparía por atender. De esta forma, se dividirían naturalmente las aguas. Las corporaciones voluntariamente no participarían de negocios minúsculos o bizarros y dejarían ese espacio a los propios actores económicos. ¿Pero qué pasa cuando la tecnología hace que negocios que hasta el día de ayer pertenecían al ámbito corporativo puedan ser fácilmente manejados como operaciones directas entre el comprador y vendedor? El negocio del arte y el entretenimiento está muy cerca de esta figura.

De acuerdo a la World Intellectual Property Organization[2], el objetivo del copyright es “Incentivar una cultura creativa dinámica mientras que se devuelve valor a los creadores de modo que puedan llevar adelante una existencia económica digna y al mismo tiempo se provee al público un acceso amplio y accesible a los contenidos”[3]. Esta declaración probablemente sea inapelable desde el punto de vista de su letra, aunque la realidad nos muestra que los derechos de propiedad intelectual, especialmente en el área de las obras musicales, en la mayoría de los casos no pertenecen a los autores de las obras sino a sus sellos discográficos. Las extensiones de períodos de vigencia de copyright que han sido implementadas regularmente durante los últimos años (particularmente llamativa fue la instauración del Bono Act [4]justo a tiempo para impedir que varios personajes de Disney cayeran dentro del dominio público) ni dignifican a los artistas, ni fomentan que los mismos generen más obra.

Si analizamos el negocio de la creación, producción y difusión de la música desde el punto de vista de Shirky, veremos que las operaciones que elevaban los costos de transacción de este mercado por encima del “Coassian floor” han comenzado a minimizarse. El motivo por el cual los sellos grabadores existieron durante gran parte del último siglo fue porque existían actividades imprescindibles para las cuales el músico no estaba preparado. Actualmente no es así.

Originalmente la grabación de un disco requería de un estudio y complejo equipamiento. Actualmente se puede hacer música basada en samples con un computador hogareño y programas open source.

El soporte físico de la obra musical (ya sea un CD o cualquier otro) ya no es ni siquiera necesario, ya que los discos acumulados en los muebles son más una molestia que un acervo. La música se guarda (y se escucha) en un disco duro, ya sea un computador, un iPod o la nube.

Si en el pasado era necesaria una compleja red de distribución física (disquerías, empresas de venta por catálogo, etc.) para hacer llegar el producto al consumidor final, en estos momentos fue reemplazada por Internet.

La comunicación y el marketing de un grupo u obra musical también cambió radicalmente. Los medios tradicionales (impresos y audiovisuales) ya resultan irrelevantes al momento de publicitar un nuevo producto. Actualmente las redes sociales y los sitios de recomendaciones de pares hacen ese trabajo.

Entonces, bajo este nuevo paradigma, ¿por qué un artista entregaría parte o todos los derechos de propiedad intelectual de su trabajo a una empresa por hacer aquello que él puede hacer mejor y más barato? El Coassian floor ha bajado lo suficiente como para que el mercado mismo elimine un eslabón innecesario e ineficiente de la cadena. Los sellos grabadores deberan encontrar una nueva forma de aportar valor dentro de esta estructura si no quieren seguir defendiendo un negocio arcaico e ineficiente en base a proteccionismo y millones de dólares invertidos en lobbying.

[2] http://www.wipo.int

[3] “To encourage a dynamic creative culture, while returning value to creators so that they can lead a dignified economic existence, and to provide widespread, affordable access to content for the public.”

[4] http://www.copyright.gov/legislation/s505.pdf

Para bajar el paquete entero en alta definicón click acá

Participaron Leandro Costa con su silla Straba, Ariel Jacubovich con su Biblio de Bolsillo, Dina Stasta y varios objetos de “La Paternal Recicla“, Paola Salaberri y sus productos de “La Fabrica“, Los chicos de Mano Luz con varias lámparas, Daniel Goldaracena con su “Carromato” y otros aobjetos, Mariano Baqués con su “Flexilamp“, Marina Zuccon y su sillita “Petit“. Emilia Alvarez participó con las ilustraciones de los objetos.

Dina, explica como hacer un material nuevo a partir de bolsas de supermercado

La mesa tuvo como objetivo además discutir las posibilidades del diseño copyleft

Santiago y sus lapiceros cirujas

Impactante golpe de efecto logrado por Ronen, utilizando ironía y sentido del humor para lograr una acción comunicativa que pone en circulación el concepto de Open Design, o Diseño Libre.

Pierre Chareau – Maison de Verre from Not Made TV on Vimeo.

The House of Jean Prouvé from Not Made TV on Vimeo.